El cos d'obra de l'artista Hyman Bloom és venerat. I els cossos són cadàvers.

'Female Leg' d'Hyman Bloom, 1951; oli sobre llenç. (Museu de Belles Arts, Boston/Timothy Phillips/Des del Stella Bloom Trust)

Les pintures de cadàvers en putrefacció i cadàvers oberts fetes per Hyman Bloom entre 1943 i 1954 constitueixen una de les obres més extraordinàries i inquietants de l'art americà.

Les pintures de Bloom consternen i sorprenen. S'encenen per colors càlids i corrents que emplumen les seves superfícies com flames, consumint i transmutant els pobres cossos que representen en alguna cosa iridescent i eteri. Les pintures, juntament amb una selecció de dibuixos enlluernadors i a gran escala, són objecte d'un magnífic i esperat espectacle. Hyman Bloom: qüestions de vida i mort al Museu de Belles Arts de Boston. Coincidint amb una novetat fantàstica monografia a Bloom i un comercial espectacle a Nova York , l'exposició sembla un esdeveniment important.

Bloom (1913-2009) és una figura força oblidada. Però la seva brillantor va ser àmpliament reconeguda a mitjan segle. Jackson Pollock, Willem de Kooning i Franz Kline tots el veneraven. Elaine de Kooning va escriure de manera brillant sobre els seus primers treballs. El gran erudit del Renaixement Sydney Freedberg l'anomenava virtuós de la pintura. I en una carta a la seva també poeta Elizabeth Bishop, Robert Lowell va escriure: Hyman és increïblement coherent, brillant, ascètic; cada cop més gent diu que és el millor pintor d'Amèrica, i així ho és.

Aquesta exposició de D.C. ha de ser vista per tothom preocupat per la crisi dels migrants

Nascut en un poble empobrit de jueus ortodoxos a Letònia, Bloom va passar els seus primers anys vivint en una cabana de troncs d'una habitació amb terra de terra. Tenia 7 anys quan la seva família va arribar a Ellis Island l'any 1920. Es van instal·lar amb els dos germans grans d'Hyman, que havien emigrat abans de la Primera Guerra Mundial, en un habitatge al West End de Boston, vuit persones amuntegades en tres habitacions.

A l'escola, el talent de Bloom va ser notat pel seu professor d'art de vuitè grau, que el va animar a inscriure's a classes de dibuix en un centre comunitari. L'artista Jack Levine, que es va convertir en l'amic íntim de Bloom, era un company d'estudis.

El seu professor, Harold Zimmerman, va conrear els seus talents amb un enfocament experimental. Va aconseguir que procedís molt lentament, elaborant els seus dibuixos des de la memòria més que de l'observació directa, amb petites marques i ajustaments, mantenint-se sempre molt sensible al conjunt de la composició.

Quan era adolescent, Bloom va dibuixar boxejadors i lluitadors (els seus dos germans grans eren culturistes) i, en un dibuix sorprenent inclòs a l'espectacle, un home titànic musculós que es deslligava de cordes gruixudes sobre una roda de tortura. Malgrat les audaces llibertats pictòriques de la seva millor obra, el dibuix i la figura humana van romandre fonamentals fins al final.

A través de Zimmerman, Bloom va conèixer Denman Waldo Ross, professor de la Universitat de Harvard. Ross va subvencionar l'educació artística contínua dels nois. Els va ensenyar a pintar una nit a la setmana mentre Zimmerman continuava les seves classes de dibuix. Zimmerman també va portar a Bloom i Levine a Nova York, on Bloom va ser exposat a Chaim Soutine i Georges Rouault, protagonistes del seu treball posterior.

A finals dels seus 20 anys, la carrera de Bloom va enlairar. Pintava sinagogues, arbres de Nadal i núvies amb un llenguatge que es basava en Soutine, Rouault, Marc Chagall i Jean Dubuffet, però que encara semblava totalment original. Va començar a guanyar el suport de persones com Dorothy Miller i Alfred Barr, comissaris del Museu d'Art Modern, i aviat va inspirar a altres artistes, inclosos els de Koonings i Pollock.

L'any 1941, Bloom va viure una experiència que va alterar profundament tant la seva vida interior com la trajectòria del seu art. La seva amiga íntima Betty Tovey es va suïcidar i la seva família li va demanar que identifiqués el seu cos a la morgue.

Bloom coneixia a Tovey des de feia més d'una dècada. Havien compartit casa i estudi a Boston. Va ser molt viatjada, cosmopolita, una violinista consumada i 10 anys més gran que ell. Els dos no semblen haver estat amants, però Tovey va ser el confident de Bloom durant un període que el va veure lluitar amb l'ansietat i la confusió espiritual. Quan es va allunyar de la pràctica del judaisme, ella va compartir el seu interès per la literatura metafísica. Bloom va començar a explorar la teosofia, el Vedanta (una de les branques principals de la filosofia hindú) i altres formes d'espiritisme. Va seguir sent un buscador tota la vida.

La seva experiència en veure el cos de Tovey a la morgue el va portar a considerar la mort des d'una perspectiva nova i més bella. Tenia la convicció de la immortalitat, va escriure, de formar part d'alguna cosa permanent i canviant, de la metamorfosi com a naturalesa de l'ésser.

Un observador de l'art de Bloom durant les properes dues dècades podria suposar que estava obsessionat amb la morbiditat i la mort. I en certa manera ho era. Però el que realment el preocupava era l'entrellaçament profund, la indivisibilitat màxima, de la vida i la mort.

La visió de Bloom del cos gairebé com a trap , una disfressa per ser arrasada i esquinçada, per veure'n millor, tenia molts antecedents en l'art europeu. Els artistes del Renaixement del Nord, per exemple (sobretot Matthias Grünewald), havien pintat el cos de Crist desesperadament arruïnat amb l'objectiu específic de transcendir la corporalitat. L'electrificant treball de Bloom es pot veure com a part d'aquesta tradició.

Dos anys després d'identificar el cos de Tovey a la morgue, Bloom es va trobar amb un amic, l'artista David Aronson, que anava de camí a l'hospital Kenmore de Boston per veure els cadàvers. Va convidar a Bloom.

La majoria de relats sobre l'art occidental des del Renaixement inclouen les històries d'aquells artistes que trencaven tabús que, curiosos per l'estructura interna del cos humà, van dirigir la seva atenció als cadàvers, sovint incitant a la polèmica. Leonardo da Vinci i Miquel Àngel els van estudiar i disseccionar. Rembrandt i els seus compatriotes holandesos van avançar la tradició al segle XVII.

Així doncs, la imatge de dos joves pintors jueus ambiciosos a Boston caminant junts cap a un hospital per veure cadàvers no és en si mateixa notable. I, tanmateix, només perquè era l'any 1943 i un gran nombre de jueus d'aquests dos artistes estaven sent escombrats per Europa i enviats a camps de concentració on van ser assassinats sistemàticament, és difícil no deixar-se perseguir.

Bloom no pretenia les seves pintures posteriors, les que dominen aquesta mostra, com un comentari sobre l'Holocaust. Tot i així, les revelacions sobre la catàstrofe a Europa segurament deuen haver alimentat la seva pròpia imaginació. I, inevitablement, el nostre coneixement d'aquests esdeveniments forma part del prisma a través del qual nosaltres veure'ls.

La dècada posterior a la guerra va veure que Bloom va produir el seu treball més fort: no només imatges de cadàvers i autòpsies, sinó també imatges fascinants i abstractes d'hordes de tresors excavades. Aquestes obres brillants, construïdes amb bells passatges de pintura amb textura, representen els seus temes com si estiguessin disposats horitzontalment (com un cos sobre una llosa) i vists des de dalt.

millor aposta esportiva per fer

Bloom es va inspirar en part en imatges de descobriments arqueològics recents. Va donar a les pintures títols com Tresor arqueològic i Mapa del tresor, convidant-nos a veure analogies entre els tresors excavats (i el vidre opalescent que li agradava especialment) i la lluminositat brillant de l'interior del cos.

Deu anys després que Bloom representés els Estats Units a la Biennal de Venècia (juntament amb Pollock i de Kooning), va ser emparellat amb l'artista britànic Francis Bacon en un espectacle a la Universitat de Califòrnia a Los Angeles.

Com m'encantaria veure'l reinterpretat. Tots dos artistes estaven preocupats pel costat abjecte del cos humà: el cos com a carn. Però Bacon, un existencialista a fons, no tenia un os espiritual al seu cos. La vida, per a ell, era una forma de teatre, un joc condemnat a la inutilitat. Bloom, en canvi, pensava que hi havia alguna cosa més. Era un artista visionari, enamorat de les tendències de pensament que cada cop es posaven menys de moda estimar. No li importava l'èxit mundial de l'art.

Quan els comissaris del museu van visitar el seu estudi, va girar els seus llenços a la paret. Fa temps que m'he preguntat: Bloom estava intentant ocultar les seves obres d'uns ulls que considerava incapaços d'entendre? O va reconèixer que les seves coses recents no estaven del tot a l'alçada del seu treball anterior?

Potser només estava sent modest. Al final, com tants buscadors genuïns, Bloom anava pel seu propi camí. Va veure el que va veure. Cada cop era menys important per a ell que la resta de nosaltres també ho veiem. Va produir coses bones durant les dècades següents. Però les obres que va pintar a la dècada posterior a la Segona Guerra Mundial segueixen sent un gran i indeleble èxit.

Hyman Bloom: qüestions de vida i mort Fins al 23 de febrer al Museu de Belles Arts de Boston. mfa.org .

La foto més emocionant de la missió Apol·lo no era la de la lluna. Era de la Terra.

Hilma af Klint, la dona que va pintar el futur

Els documentals sobre la natura són l'art més gran del nostre temps?