‘Civil War and American Art’ posa la batalla en un segon pla

Les pintures més grans i dramàtiques de La guerra civil i l'art nord-americà no tenen res especialment bèl·lic, ni canons ni fum d'armes ni baionetes brillants al sol del matí. Més aviat, hi ha paisatges, vistes a les muntanyes, idil·lis a la vora del mar i vistes al cel nocturn. Fins i tot algunes de les escenes explícitament militars, com un llenç de 1862 que mostra soldats reunits per escoltar les oracions del diumenge, parlen més de l'herba, els arbres i un riu llunyà i ondulant que no pas una narració de la fe humana, la por i el forn de foc.





La guerra no està absent en aquesta nova exposició a l'Smithsonian American Art Museum, però no sempre està en primer pla. Presentada com l'única mostra important (durant aquesta llarga temporada d'aniversaris de la Guerra Civil) per examinar la guerra i el seu impacte en l'art, l'exposició inclou pintures familiars de Winslow Homer que mostren soldats en acció, i hi ha una galeria sencera dedicada a l'art naixent. de la fotografia, que va portar a casa la carnisseria amb tanta força que va trencar per sempre les antigues idees de glòria innocent i viril.



Però el focus, i l'argument, es tracta de canvis més subtils en l'art, detectables en la pintura de paisatges i gèneres, sovint per implicació i suggeriment més que per representació directa. Així, els núvols grisos que baixen des de la part superior de la vista de 1859 de Martin Johnson Heade de dos vaixells en una badia plàcida són un presagi de guerra, com ho són els arbres morts i el primer pla estéril de Twilight in the Catskills de 1861 de Sanford Robinson Gifford. La vista d'un parc tranquil anomenat Richmond Hill, a prop de Londres, pintada per Jasper Francis Cropsey el 1862-63, és la subtil referència d'un expatriat a un altre Richmond, a Virgínia, aleshores la capital de la Confederació.

L'escèptic podria argumentar que no tots els indicis de malestar en un paisatge són una prova que l'artista estava pensant en la guerra. Però en els assaigs del catàleg de l'exposició, la comissària Eleanor Jones Harvey demostra de manera convincent que durant els anys anteriors i durant la Guerra Civil, els artistes van desenvolupar un llenguatge visual diferent per representar l'ansietat i el trauma nacionals, i el van desplegar en el paisatge en particular perquè aquest era l'art. que representava millor la identitat, l'ambició i el propòsit moral nord-americans. De la mateixa manera que els westerns de Hollywood de mitjans del segle XX poden suportar una quantitat notable de pes al·legòric i interpretatiu, els paisatges de mitjans del segle XIX estaven carregats de temes nacionals.



obteniu 1.000 visualitzacions gratuïtes de youtube

El paisatge va prosperar no només perquè els nord-americans estaven fascinats per les grans vistes i analitzaven el territori obert amb possibilitats infinites, sinó també per raons històriques. Entreu a la rotonda de la capital dels Estats Units i veureu intents seriosos (d'una generació anterior d'artistes) de casar temes americans amb la gran manera de la pintura d'història europea, inclòs el clàssic de John Trumbull. Declaració d'independència . Però fins i tot els millors d'aquests quadres, enormes, formals i molt escenificats, se senten una mica incòmodes per a una democràcia a mig fer. I de vegades, com en John Gadsby Chapman Baptisme de Pocahontas , els resultats són ridículs, pretenciosos i inadequats.

Winslow Homer, 'A Visit from the Old Mistress', 1876, oli sobre tela, Smithsonian American Art Museum, regal de William T. Evans. (Cortesia Smithsonian American Art Museum)

La pintura d'història estava passat de moda als Estats Units quan s'estava gestant la Guerra Civil i, pitjor encara, la fotografia estava sorgint amb un poder i una precisió de representació que desinflaria moltes de les pretensions heroiques sobre les quals es basava la pintura d'història. L'exposició inclou diverses escenes de la Guerra Civil d'Alexander Gardner, com ara morts confederades que s'estenen al llarg d'una carretera i una tanca a Antietam des del 19 de setembre de 1862, i la seva visió dels morts de guerra a l'església de Dunker d'Antietam, feta el mateix dia. En aquestes, i encara més destacada en altres fotografies de les conseqüències de la guerra, els cadàvers s'han inflat i es troben en una disposició desordenada, sovint amb els seus cossos grotescament escorçats per l'angle de la imatge.

Els homes no estaven morint com en un quadre de Trumbull, com el general John Warren a Bunker Hill, elegant amb el seu uniforme blanc i envoltat d'heroics defensors atrapats en un drama cinematogràfic i espavilat. Estaven caient i podrint-se i, tal com es capta a la fotografia de John Reekie d'A Burial Party, Cold Harbor, ja en quedava poc més que draps i ossos quan van aconseguir el que llavors es deia un enterrament decent.



Els nord-americans no tolerarien l'honestedat d'aquestes fotografies avui, quan moltes de les suposicions sobre la guerra i el correcte i el mal que van dominar en l'era de la pintura d'història ressorgeixen en la nostra nova era de guerra a distància, polititzada i sanejada. , en què un bàndol és sempre heroic i l'altre practicants precivilitzats del terrorisme .

Però les fotografies de la Guerra Civil van desmuntar les suposicions heroiques no només mostrant la veritat espantosa de la guerra, sinó canviant la nostra mirada. Les impressions de Gardner solen mesurar no més de tres per quatre polzades, i quan es veuen en aquest format, atrauen l'ull a un matoll d'informació grisa, un desordre d'arbres i membres i persones i tanques que és el contrari de la paret. -escenes de batalla de mida que van emocionar el públic europeu durant segles. En lloc d'inspirar admiració i aclaparar amb la pura sensualitat de la pintura, l'escala de la fotografia exigia atenció i enfocament, convertint l'experiència de la imatge en quelcom semblant al que fa un científic en un laboratori.

En almenys un cas, s'observa una indici de la influència de la fotografia en la tècnica del pintor durant aquests anys. Homer Dodge Martin The Iron Mine, Port Henry, Nova York , és un altre paisatge carregat de subtils suggeriments de la llunyana batalla. La mina és un petit forat a mig camí d'un vessant enfonsat, des del qual surten runes i runes fins a la superfície tranquil·la i vidriada d'un llac. El ferro d'aquestes mines, prop del llac George, s'utilitzava per fabricar canons Parrott, un element bàsic de l'artilleria utilitzat per la Unió.

és el te kratom més fort que la pols

Però la imatge de Martin no només connecta un paisatge ferit amb la destrucció de la guerra, sinó que també capta la densitat de dades i la confusió ocupada de la fotografia a nivell de pintura. La terra marró que s'esfondra és minuciosa però frenètica, no amb el que podríem anomenar realisme fotogràfic, sinó amb el que llavors semblava una textura fotogràfica. L'efecte és gairebé incòmode i surrealista.

L'exposició inclou 75 obres, i moltes d'elles seran familiars als estudiants de pintura americana del segle XIX. Winslow Homer, que va veure la guerra de primera mà i va traduir les seves impressions i esbossos en pintures ara emblemàtiques, com ara The Sharpshooter i Defiance: Inviting a Shot Before Petersburg, està molt representat. Dels artistes que van optar per capturar la guerra en si, Homer va ser el més competent, però la pintura de figures no era el seu fort i un s'alegra cada vegada que l'ombra d'un barret o el cap girat obvien la necessitat de representar una cara.

puntuació de superació comptia a+

La guerra es veu amb més cruesa però sense art a les petites però ben observades pintures de Conrad Wise Chapman, el rar artista confederat de competència fins i tot mínima. Chapman va capturar el que va veure com la glòria i el que aviat va ser les restes de l'ambició militar del Sud a Charleston, SC i als seus voltants. Les composicions són estàtiques, amb recordatoris ocasionals de la presència d'esclaus en forma de figures afroamericanes inerts sostenint cavalls o atenent al necessitats menors de la gent blanca.

La Unió utilitzaria pistoles Parrott, fetes amb ferro de mines com la que es mostra a la imatge de Martin de l'estat de Nova York, per bombardejar l'estimat Charleston de Chapman i les seves fortificacions del port. Al llarg d'aquesta exposició, un sorprèn com una guerra civil trenca i forja connexions, unint la gent en la misèria si els divideix en tota la resta. Va portar els homes fora de les seves cases i al teatre de batalla a l'aire lliure, connectant-los amb el paisatge en un sentit molt real i immediat. També va portar molts nord-americans al seu primer contacte sostingut amb afroamericans, l'esclavitud dels quals va ser la causa de la guerra.

Algunes de les imatges més inquietants i fascinants capturen l'ansietat racial tant durant com després de la guerra, mentre els nord-americans s'enfrontaven a les conseqüències de l'esclavitud i l'impacte desconegut que tindria en la vida cultural. Una pintura de 1864 d'Eastman Johnson (que emergeix com un artista seriós i fascinant en aquesta exposició) mostra una família blanca còmodament acomodada en un saló luxós. Un nen jove juga amb un ninot joglar, fent aquesta representació d'una dansa afroamericana sobre un tros de paper rígid o fusta subjectada a la vora d'una taula per tal de produir un precipici. Un joc innocent promulgat sobre el buit d'un futur desconegut ha hipnotitzat a tota la família, ja que el crepuscle sembla reunir-se fora de la finestra.

L'exposició no és prou gran per cobrir tots els temes. L'argument sobre el paisatge està a fons, i potser es podria fer de manera més concisa, deixant espai per a altres tangents. Alguna representació de l'estat degradat de la pintura històrica ajudaria. El catàleg inclou una reproducció d'Everett B.D. L'infame The Last Meeting de Fabrino Julio, una pintura de Robert E. Lee i Stonewall Jackson just abans de la mort d'aquest últim.

Es va burlar a fons i bé de Mark Twain, i una font de diversió preferida per als visitants Museu de la Confederació , propietària, The Last Meeting deixaria molt clar el motiu pel qual els pintors seriosos s'allunyaven de la pintura d'història. Una mala pintura pot posar moltes de bones en perspectiva. Però no s'inclou, ni cap altra obra semblant.

La reconciliació, que comença a aparèixer com un tema a les pintures molt abans que s'acabés la guerra, només es tracta d'una mirada. Pintures com The Fire of Leaves de 1862 de Jervis McEntee veuen dos nens vestits amb roba que evoquen els uniformes de la Unió i la Confederació, asseguts junts en un paisatge fosc i temperat. Pintat abans de La consagració de George Cochran Lambdin de 1865 (no es veu a l'exposició, però una poderosa fantasia de la reconciliació de la Unió i la Confederació), la pintura de McEntee mostra fins a quin punt es va incorporar una fantasia prematura de retrobament a la guerra, cosa que dificulta l'arrel de la cultura cultural. toxina de l'esclavitud i el ressentiment al Sud durant la Reconstrucció.

herbes notables maeng da revisió

El tema de la tornada a la normalitat també apareix al paisatge, i l'exposició acaba amb imatges de paisatges encara més gegants. Visualment és un bon enviament, i suggerirà alertar als visitants d'un tema explorat al catàleg però no evident a partir de l'exposició: fins a quin punt fer i preservar el paisatge, en forma de parcs nacionals i els paisatges fantàstics de les nostres reserves urbanes, es va convertir en el focus de moltes de les energies animades per la pintura de paisatge abans de la guerra.

Però el to no és del tot correcte. La reconstrucció va fracassar i el seu fracàs va portar almenys un altre segle de misèria per a molts afroamericans.

Potser un indici de la mitificació de la guerra en el mig segle d'aniversari, o algun breu clip de la guerra de la pel·lícula de 1915 Birth of Nation, o algun recordatori de les pintures panoràmiques que van convertir la guerra en entreteniment per als avorrits, ignorants i inactiu a finals del segle XIX, ajudaria. Això canviaria l'èmfasi de l'art a la història, a la qual el comissari podria resistir raonablement. Però ens recordaria el dolent i el lleig d'aquest període, que sens dubte han durat més i han tingut més impacte que els esforços més matisats dels artistes per captar els rastres subtils de la guerra en les fascinants imatges que es veuen en aquesta exposició.

La guerra civil i l'art americà

es podrà veure fins al 28 d'abril al Smithsonian American Art Museum, als carrers Eighth i F NW. Per a més informació, visiteu americanart.si.edu .

Recomanat