Són dones, són negres i no fan art sobre això

Una nova exposició al Museu Nacional de les Dones en les Arts s'enfronta a dos supòsits falsos incrustats en el món de l'art. Primer, que les dones haurien de fer art femení, i segon, que les artistes afroamericanes haurien de fer art figuratiu i activista, obres que s'enfrontin a qüestions de raça, desigualtat, injustícia i la llarga història de violència contra els negres.

Magnetic Fields: Expanding American Abstraction, 1960 to Today se centra en les artistes negres que treballen més enllà o fora d'aquests dictats. L'obra inclou abstraccions de foc fetes amb oceans de pintura coagulats i estampats delicats amb matisos de rosa i traceria refinada. Alguns quadres esclaten de les parets i dominen l'espai; d'altres íntim el silenci i apropen cada cop l'espectador a la seva enigmàtica reticència. Però tots desafien les expectatives estètiques arrelades en les categories arbitràries de raça i gènere.

Tal com explica un assaig introductori al catàleg de la mostra, aquests artistes estan treballant en una perifèria d'una perifèria d'una perifèria. On són aquestes múltiples perifèries? En cap ordre particular de precedència, considereu el primer gènere i l'abstracció. A mitjans del segle passat, el camp estava dominat per homes que van reutilitzar les idees del segle XIX sobre l'artista heroic i els poders demoníacs de l'expressió emocional. Les dones que treballaven amb estils no objectius van ser ignorades, marginades o malinterpretades. Quan van aconseguir tenir èxit en els seus propis termes, sovint era perquè el llenguatge visual que empraven reflectia expectatives sobre el seu cos i el seu comportament, gestos petits i delicats, colors apagats o formes repetitives que calmaven la vista. Hi va haver excepcions, és clar, però les excepcions van reforçar les expectatives tradicionals de la manera habitual en què es defensa el poder: Ens acusa d'excloure't o de marginar-te? Bé, aquest exemple solitari del contrari soscava la teva acusació.

A continuació, considereu la raça. El període de temps que abasta aquesta exposició fa un seguiment de la història de l'art des del punt àlgid del moviment dels drets civils dels anys seixanta fins al moviment Black Lives Matter de la nostra època. Moltes de les dones incloses aquí es van resistir a l'estirada de fer art que era explícitament polític o directament sobre l'experiència negra. L'art abstracte sovint es va veure en termes racials, com una forma d'elit practicada per artistes blancs. S'esperava que els artistes negres meditessin sobre les idees negres, utilitzant un llenguatge visual derivat d'idees sobre les arrels africanes de l'experiència afroamericana o de la diàspora.

[ La National Gallery examina 10 Vermeer en el context dels companys de l'artista ]

Mildred Thompson, un dels millors artistes d'aquesta exposició, no tindria res d'això. Copiar símbols que no s'entén, fer ús deliberadament d'una forma que no sap analitzar o apreciar va ser per a mi el cim de la prostitució, va dir. I ella no estava disposada a cedir l'abstracció a artistes d'elit: potser perquè havia viscut i estudiat amb 'whitey' havia après a apreciar la meva Blackness.

És una poderosa declaració d'independència, i que es veu constantment desafiada pels hàbits arrelats de crítics, comissaris, estudiosos, col·leccionistes i públic.

Així, l'art inclòs se sent assertiu, demostratiu, directe i sense disculpes. Però més enllà d'aquesta sensibilitat compartida, hi ha vincles entre aquestes obres? Hi ha afinitats d'estil o de detall que lliguen qualsevol obra amb els 40 que es mostren? Hi ha alguna cosa per emportar que transcendeixi l'artista individual?

Aquest és un territori perillós. Un cop comences a buscar aquests enllaços, corres el risc de limitar allò que els artistes han volgut preservar: la individualitat i el contingut expressiu sui generis de cada obra.

la millor manera de netejar el cos de thc

I, tanmateix, sembla que hi ha rastres de comuna o de parentiu, especialment en com diverses obres expressen una sensació d'escissió o divisió. Potser això captura com funciona el poder sobre nosaltres, la manera com crea divisió no només entre grups socials, sinó en el nostre sentit de nosaltres mateixos. El poder ens diu què hem de ser, independentment de qui som realment. Ens separa de la nostra dignitat innata i marca el seu propi preu a les nostres idees, als nostres regals, a les nostres contribucions.

En una composició àmplia i dinàmica de Shinique Smith, Whirlwind Dancer, l'escissió és física. Al principi, la pintura sembla representar un únic objecte unificat, una mena de vòrtex o remolí que ha aspirat el material i els detritus d'un mig segle de pintura en una expressió ondulant i ondulant d'energia pura. Però en realitat es tracta de dos llenços units i mentre estudies aquesta costura t'adones que les línies o les formes creuen la divisió només en alguns llocs. Aquesta metàfora d'una energia que és sencera tot i estar repartida per un buit o una fissura és l'essència del poder de l'obra.

Una escultura de Barbara Chase-Riboud, les esteles de bronze i teixit de la qual es poden veure a la Michael Rosenfeld Gallery de Nova York aquesta tardor, està dividida horitzontalment, amb una faldilla de tela que sembla suportar l'enorme pes d'un tors de bronze. L'estàtua representa un diàleg que molta gent sent internament, entre una por primordial que tot es pugui estavellar i una sensació estimulant que, d'alguna manera, estem aconseguint mantenir-lo suspès en l'èter del no-res.

[La National Portrait Gallery selecciona artistes per pintar els retrats d'Obama]

Jennie C. Jones està representada per obres que utilitzen panells acústics per crear abstraccions clàssiques i minimalistes. Però els panells acústics porten amb ells insinuacions de silenci, i una dicotomia no molt diferent a la que suggereix l'obra de Chase-Riboud: Són aquests sobre el silenci, que és el llenç on s'escriu la música i una força espiritual alliberadora, o l'acte de sent silenciat, quina és la primera i fonamental estratègia del poder?

Aquestes dicotomies s'estenen al llarg de l'exposició. En una obra especialment impressionant, una pintura sense títol de 1972-73 d'Howardena Pindell, el llenç està cobert de petits punts de la mateixa mida que els petits trossos de paper rodons que queden quan s'utilitza una premsa de perforació de paper. En un altre treball, utilitza els trossos de paper circulars reals barrejats amb pintura per crear una obra autobiogràfica de forma estranya que fa referència al temps que va passar al Japó. Però a la pintura acrílica sense títol, n'ha pintat minuciosament el seu rastre bidimensional, sobre un llenç que inclou un patró il·lusionista de plecs, com si tot s'hagués ficat en un armari o deixat a terra, sense cures, fins a les imperfeccions. va prendre forma. És un treball complex que inicia la ment en una cadena de preguntes: qui va fer aquests punts, qui va perforar el paper i amb quina finalitat, i què hi havia escrit a les pàgines del paper que es van perforar? — que, en última instància, apunten a la idea de text o document que se'ns oculten.

Aquesta és la pregunta amb la qual el poder s'ha d'afrontar amb rigor: què se'ns deté? Aquesta exposició és una resposta pràctica i pragmàtica a la pregunta. Però, per descomptat, la pregunta en planteja una altra: què ens retenim a nosaltres mateixos?

Camps magnètics: Expansió de l'abstracció americana, dels anys 60 fins a l'actualitat es pot veure al National Museum of Women in the Arts fins al 21 de gener. Per obtenir més informació, visiteu www.nmwa.org.