Un dels primers treballs de Warhol, de 1956, es va dedicar a Christine Jorgensen, una dona trans que va ocupar els titulars dels anys 50 després de fer-se una cirurgia de reasignació de sexe. (Sammlung Froehlich/Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc./Artists Rights Society (ARS) Nova York)
Per Philip Kennicott Crític d'art i arquitectura 1 de febrer de 2019 Per Philip Kennicott Crític d'art i arquitectura 1 de febrer de 2019
NOVA YORK — Vivim amb Andy Warhol de la mateixa manera que vivim amb el material visual que va reproduir i va explotar: la vasta americana de productes de consum, estrelles de cinema i notícies. Va intentar reivindicar aquesta iconografia com a art, aprofitar el seu poder seductor i imitar la manera en què circula, i al final gran part del seu art es va fer indistinguible de la cultura comercial que admirava i parodiava. És omnipresent, i majoritàriament invisible, tret que intenteu fixar-lo i donar-li sentit. I llavors sembla estrany, fantasmagòric i una mica aliè, d'una manera que fa que la seva pretensió de diversió benigna no sembli del tot de bona fe.
Entreu a qualsevol museu d'art modern o contemporani decent, i hi ha Warhol, probablement una de les seves serigrafies de Marilyn Monroe o Chairman Mao o Jackie O, imatges acolorides que són alhora tranquil·litzant familiars i emocionalment mudes. En un museu, funcionen una mica com els signes comercials històrics que pengen fora de les botigues: un peix per indicar una peixateria, tisores per a un sastre, ulleres per a una òptica. Les pintures de Warhol sovint desapareixen en la seva funció semàntica: denotar el negoci de l'art modern. O funcionen com a estacions obligatòries a la visita guiada per un docent: Aquí hi ha un Warhol i per això Warhol importa. El compromís és reflexiu i, en molts aspectes, superficial, i si penseu, potser, que el seu treball cobreix els nostres museus com a fons de pantalla, la guia pot dir: Exactament, i Andy també va fer fons de pantalla.
Els de Marilyn i els de Mao i els de Jackie O ara es poden veure a la Whitney Museum of American Art's gran retrospectiva de Warhol. També ho és el fons de pantalla, en una petita galeria fora de l'espectacle principal, on les superfícies estan cobertes amb les seves vaques i flors de colors vius. L'exposició ocupa tota la cinquena planta, juntament amb una galeria de monitors de vídeo a la tercera planta i una altra galeria a la planta baixa dedicada als retrats. I més enllà del Whitney, hi ha una altra exposició de Warhol, al Acadèmia d'Art de Nova York , una instal·lació de més de 150 dibuixos seus.
Robert Mapplethorpe es va reconsiderar al Guggenheim
L'espectacle Whitney, la primera gran retrospectiva de Warhol als Estats Units des del 1989 Museu d'Art Modern exposició, s'organitza cronològicament i temàticament en 19 capítols. Inclou els primers treballs de Warhol com a estudiant d'art a Pittsburgh i artista comercial a la ciutat de Nova York: les seves pintures i dibuixos basats en diaris; les seves imatges de desastre; la seva imatge pop clàssica de principis dels anys 60 fins a la seva retirada de la pintura el 1965 (va ser més un punt d'inflexió que un comiat); els seus projectes de cinema, vídeo i mitjans de comunicació; i les seves obres grans i finals, inclosa l'Últim sopar de camuflatge de 1986, en què una reproducció de l'obra mestra de Da Vinci està coberta, però no del tot enfosquida, per l'assentament tímid de Warhol a l'abstracció, una superposició de camuflatge d'estil militar.
La història de l'anunci continua sota l'anunciEls múltiples capítols d'Andy Warhol: From A to B and Back Again ofereixen una sèrie de possibles Warhols, i és evident que la comissària Donna De Salvo volia subratllar tant la multiplicitat dels seus esforços com les seves interconnexions. Aquest és un esforç per humanitzar Warhol, per rescatar-lo de la freda invisibilitat de la seva reputació de Pop Art, per fer que un home que una vegada va dir La raó per la qual estic pintant d'aquesta manera és que vull ser una màquina se senti una mica menys mecanicista. L'espectacle del MoMA de 1989 es va concentrar en el període clàssic del Pop Art de Warhol, i des d'aleshores, ha estat reivindicat com a artista gai, com a artista mediàtic, com a artista conceptual, com a filòsof del postmodernisme i un oracle de l'era digital i com a un pintor de matisos i sentiments, no només una màquina per fer serigrafies.
La retrospectiva de grans dimensions serveix bé a alguns artistes, a altres no. La forma particular d'abundància de Warhol creix més profunda com més se'n veu, fins i tot si el Pop Art pel qual és més conegut sembla decididament silenciós quan es veu de manera aïllada. Els seus dibuixos no només prefiguren el seu interès per les imatges comercials, sinó que també s'esforcen cap a una destil·lació visual de la línia i la forma que fa que la seva elecció de reproducció en serigrafia sembli una conseqüència natural del seu treball dibuixat a mà.
Les primeres pintures pop de diversos bitllets de dòlar, segells verds de S&H i ampolles de Coca-Cola anuncien una fascinació de tota la carrera per les idees de moneda, circulació i intercanvi. Les pintures de taca de Rorschach de gran format de Warhol dels anys vuitanta recorden la tècnica de línia borrada que va utilitzar quan era un artista jove per crear dibuixos amb tinta delicats i una mica provisionals. Fins i tot la delicadesa i l'humor suau dels seus primers dibuixos semblen connectar-se amb la seva autoinvenció posterior com a personatge públic. Són retirats i peculiars alhora, emergint del substrat de timidesa sobre el qual es va construir l'enigmàtic Andy the Superstar.
Un gran espectacle de David Wojnarowicz explora l'amplitud i la profunditat de l'artista
Un parell de decisions de comissariat al Whitney tendeixen a reforçar el pensament reflexiu sobre Warhol. Una sèrie d'imatges sexualment explícites, una cartera de 1979 titulada Sex Parts, es col·loca discretament al costat d'un gran panell de paret i es pot perdre fàcilment. Això sembla una concessió a la mateixa homofòbia que va fer que Warhol fes circular aquestes imatges en privat. I el museu ha dedicat una galeria a la planta baixa, que és accessible al públic sense pagar l'entrada de 25 dòlars, als retrats de Warhol. Estan penjats d'estil de saló, de terra a sostre, i el nombre d'ells, així com la varietat salvatgement eclèctica dels seus temes (incloent-hi el xa de l'Iran i RC Gorman, pintor d'escenes sentimentals dels nadius americans), subratlla el paper pragmàtic que van exercir. en el model de negoci de Warhol. Els va anomenar art empresarial i els diners que va guanyar amb ells van ajudar a subvencionar algunes de les seves empreses menys lucratives. Però tenint en compte amb quina il·lusió aquesta exposició vol canviar la conversa sobre Warhol, sembla estrany limitar el públic que no paga a la seva obra més transaccional i potser cínica.
La història de l'anunci continua sota l'anunciCom les grans convencions polítiques, les grans retrospectives solen generar energies sovint insostenibles. Després de tota la mescla de benestar i les promeses de compromís amb una reforma d'alta ment, els delegats se'n van a casa i res no canvia gaire. Què es quedarà després d'haver acabat aquesta exposició ambiciosa i il·luminadora? El darrer treball de Warhol, que inclou l'Últim Sopar de camuflatge, les grans imatges de Rorschach i la gegant i horitzontal Sixty Three White Mona Lisas, revigoren la nostra comprensió dels seus últims anys, i un conjunt de retrats serigrafiats de drag queens, juntament amb les imatges de Sex Parts. , ajuden a dissipar el mite de la virginal Andy, un amant sense sexe als marges de la Nova York gai.
Quaranta anys de sexe i gènere a les zones salvatges del centre de Nova York
Però són els dibuixos els que realment avancen en el projecte d'humanització de l'artista, especialment els que es poden veure a la New York Academy of Art. Aquí veiem que treballar directament sobre el paper va seguir sent una sortida essencial per a les energies de Warhol al llarg de la seva carrera, no, com suggereix el lloc web de Whitney, un hàbit que definia Warhol abans de Warhol. Els seus dibuixos són sorprenentment segurs, amb només alguns signes de revisió o replantejament evidents en les primeres incursions dels estudiants.
Warhol va treballar a través del poder del desig sexual primerenc fent retrats atrevits però elegants d'homes (i parts del cos dels homes) amb un estil que recorda el dibuix de Jean Cocteau, i la seva intimitat és diferent a gairebé qualsevol altra cosa en el cànon de Warhol. Un subconjunt fascinant d'aquest treball es veu tant a les exposicions de Whitney com de l'Acadèmia: parts del cos, especialment els peus, barrejades amb altres productes bàsics de Warhol (billets de dòlar, llaunes de sopa Campbell) i altres objectes, inclòs un biplano de joguina. Altres dibuixos suggereixen un interès pels gravats japonesos, una mà ràpida i segura per dibuixar paisatges, així com meditacions privades sobre la seva imatge pública, inclòs l'interès tardà per l'arma com a icona.
La història de l'anunci continua sota l'anunciEl tauler de text inicial del Whitney inclou una cita de Warhol com a epígraf: Cadascú té la seva pròpia Amèrica. . . . I vius a l'Amèrica dels teus somnis que has fet a mida a partir d'art, schmaltz i emocions tant com vius a la teva veritable. Val la pena reflexionar-ho seriosament mentre visiteu aquests espectacles, en part perquè canvia l'èmfasi de pensar en l'Amèrica de Warhol a pensar en la nostra pròpia relació amb aquestes mateixes icones. Però també inclou una paraula poc considerada en l'avaluació del llegat de Warhol: emocions. Sí, sabem sobre l'art i el schmaltz i els jocs que va jugar per eliminar la diferència entre ells. Però és als dibuixos de l'Acadèmia de Nova York on s'observa l'emoció més palpablement, i si Warhol ens diu que les emocions importen —i importen al seu art—, qui som nosaltres per ignorar-les?
Andy Warhol: De la A a la B i de tornada Fins al 31 de març al Whitney Museum of American Art, 99 Gansevoort St., N.Y. whitney.org .
Andy Warhol: A mà Fins al 10 de març a la New York Academy of Art, 111 Franklin St., Nova York. nyaa.edu .
El Museu De Young intenta, i fracassa, rastrejar el 'viatge espiritual' de Paul Gauguin
Per què aquesta genial artista només ara té un espectacle digne del seu art?
